Al MAN di Nuoro “Personnages” prima mostra in Italia di Maliheh Afnan

“La memoria non è un cassetto dove giacciono, come oggetti già definiti e noti, i nostri ricordi. Piuttosto, si infiltra nelle pieghe del nostro tempo, contamina la nostra percezione attuale…” Questa frase di Massimo Recalcati racchiude l’essenza dell’opera artistica di una pittrice palestinese – in mostra fino al 9 giugno al Museo MAN di NuoroMaliheh Afnan, pittrice molto apprezzata nel panorama artistico internazionale, presente in alcune collezioni importanti – tra cui il Metropolitan Museum di New York e il British Museum di Londra, – e per la prima volta una sua mostra in Italia.

Nata a Haifa nel 1935, da genitori persiani di fede bahá’í.  Ancora adolescente conobbe il dramma di una vita diasporica per motivi religiosi e politici.  Inizialmente con la sua famiglia si trasferì a Beirut dove si laureò presso l’Università Americana. Nel 1956 andò in America, a Washington DC dove conseguì nel 1962 un MA in Belle Arti presso la Corcoran School of Art. Ritornata in Medio Oriente per circa una decina di anni, nel 1974  si trasferirà  prima a Parigi e poi Londra, dove morì nel 2016.

DSC_7837What Remains, 2014 (particular); mixed media installation – ph. ©Lycia Mele Ligios

Maliheh Afnan è un’artista che trovò ispirazione dalla tragedia della diaspora e il conseguente dolore – per aver abbandonato la sua terra natia, colpita da una guerra che sembrava non aver fine, − facendo confluire il suo vissuto drammatico nelle opere. La pittura le permise di ricollocarsi nel fluire del tempo, dopo aver assimilato e interiorizzato il suo dramma.

Gli oggetti che era riuscita a salvare divennero finestre di memoria, “sculture” parlanti segnate dal dolore. Ed ecco i vecchi libri degli avi conservati come reliquie in “What Remains” − “luoghi” del tempo e dei ricordi − dai quali trarre forza per dare un senso al domani e ritrovare quella dimensione artistica che le infondeva gioia di vivere, serenità. “Vengo da un luogo dove ci sono reliquie di antiche civiltà, – disse in un’intervista del 2014 – sia che si tratti del Libano o della Palestina. È inevitabile che in qualche  modo io sia attratta da questo genere di cose”. Da un lato la sua indagine espliciterà ataviche tradizioni mediorientali, dall’altro darà consistenza al suo vissuto con un linguaggio vicino all’espressionismo astratto, con pochi accordi cromatici come le terre, il bianco e il nero, con una tensione più spirituale, intimista. In alcune opere il colore viene “graffiato”, asportato con gestualità inconscia, appare stratificato e in alcune zone mancante quasi ad esprimere quella sofferenza subìta che si vorrebbe sradicare ma che è impossibile, perché è pensiero ubicato in quello spazio di eterna contemporaneità.

DSC_7841Contained Thoughts, 2000 (particular) (8 works) ph. ©Lycia Mele Ligios

L’urgenza di custodire la memoria è riposta in questo assemblage Contained Thoughts”(2000): i suoi lavori arrotolati e legati con uno spago, dove si allude alla transitorietà e al desiderio di salvare dall’oblìo oggetti personali di grande valore affettivo. Il vuoto al lato dei disegni sembra enfatizzare “ferite” che non si suturano e/o spazi per trattenere  pens/ieri. Una “scultura” modulare con le superfici arrotondate e dislivelli, a dimostrazione che la precarietà della vita diviene radice dell’esistenza umana.

Le persone che conobbero Maliheh Afnan la ricordano come una donna ironica, saggia e molto elegante con una casa ben curata in cui si respirava un’aria esotica. Non amava esser definita “artista mediorientale” e neppure “artista donna”.

In verità le definizioni creano solo gabbie, sovrastrutture che vincolano. Sono “confini”. Anche il suo linguaggio artistico, che spaziava tra vari generi, figurativo, astratto e informale, induce a pensare ad una sorta di indipendenza del suo modo di esprimersi.

E906F4EB-B9E9-4CF0-8AA3-6E5C36314324Wartorn 1979 – Courtesy Lawrie Shabibi Gallery

Innegabili echi di Alberto Burri (1915-1995) e il suo informale materico come in “Wartorn” (1979)  e Silent Witness (1979) in cui l’artista utilizza del cartone che brucia con una fiamma, – come Burri aveva fatto con i sacchi di iuta e con il legno – dove sembra trasporre la sua sofferenza e la sua angoscia,  il fuoco della guerra che divora le case, i bagliori delle armi che sparano. Ciò che un tempo esisteva, ora è solo memoria. Ma la distruzione richiama la vita e diventa urlo, espresso con accordi cromatici che riflettono luce. L’urgenza di essere testimone nel silenzio assordante dei ricordi. 

0AE06D20-9E9C-4A2B-9BDF-5808264BA5F2Silent Witness 1979 – Courtesy Lawrie Shabibi Gallery

Le opere figurative sono “personaggi” o meglio “figure” definite da segni che affiorano da luoghi di memoria senza preciso ordine, subordinati al ricordo di un’umanità incontrata negli anni, concentrata più sulla diversità che sull’omologazione.  Maliheh Afnan lavorava sui volti per giungere ad esprimere quell’unicum presente in ogni essere, ovvero l’anima. Voleva definire un “denominatore comune”, la preziosa unicità che sta alla base del genere umano che rende diversi seppur simili.

DSC_7839Sam, 1990 (particular) – ph. Lycia Mele Ligios

In alcuni volti affiora una delicata sfumatura caricaturale, quasi ad  enfatizzare elementi fisionomici ad esempio occhi piccoli e ravvicinati, oppure bocca piccolissima, leggermente segnata,  su teste in apparenza deformi. Un inconscio evocare il carattere del personaggio ritratto? Figure atemporali, strutture di memorie, tracce di esistenze “confuse” nel marasma del ricordo.

Aveva sviluppato un grande senso d’ironia, che le permetteva di sdrammatizzare e focalizzarsi su elementi che avrebbero suscitato ilarità, mostrando così la sua acuta intelligenza e fantasia e attribuendo valore alla semplicità.

Certi disegni mostrano dei volti stilizzati in assenza di prospettiva, come se – visti dall’alto – fossero elementi di una carta topografica dove non sono presenti particolari ma solo contorni del volto, uniti dal filo sottile dell’uguaglianza. Sembrano non esserci differenze sostanziali. La scelta di metterli vicini, uno accanto all’altro, sintetizza il concetto di fratellanza e umanità presente nei principi fondanti della sua fede Bahá’í in cui viene a superarsi il concetto di razza oltre quello di classe sociale.

DSC_7844Nuchis 1985 – (particular) – ph. ©Lycia Mele Ligios

Dall’indefinito che supporta l’uguaglianza al definito che sfiora il lirismo per intensità: il ripetuto scrivere il nome di un luogo che le era caro in una sua opera, “Nuchis” . L’artista amava la Sardegna: vi si era recata in vacanza insieme alla figlia ed era rimasta affascinata da un piccola frazione di 400 anime, nei pressi di Tempio Pausania, Nuchis, in Gallura. Un grazioso paesino, ai piedi del Monte Limbara, con piccole case realizzate con blocchi di granito e immancabili gerani nei balconi, immerso nel verde brillante, sfumato in una miriade di tonalità della campagna gallurese. Quei luoghi s’impressero nell’anima di Maliheh Afnan. Si erano “incollati” addosso e non voleva dimenticarli per quel senso di benessere che le infondevano. Al rientro dipinse un quadro astratto su campitura terra d’ombra bruciata con leggeri punti cromatici rosso cupo – forse cinabro – su cui attaccò tanti piccoli pezzi di scotch che colorò  e su cui scrisse in vari punti la parola Nuchis, quasi volesse attaccare o incollare alla sua anima la bellezza e le emozioni provate in quel piccolo pezzo di paradiso. Luogo che le aveva trasmesso serenità interiore e momentaneamente allontanato dai suoi ricordi, le sofferenze del passato.

dsc_7868-e1555522109126.jpgThe visitor, 1992 – Photo ©Lycia Mele Ligios

La tensione all’uguaglianza è quasi un grido “graffiante” nelle sue opere, dove i pensieri si traducono in espressione artistica con stesure di colore più aggressive  e dense, oppure più trasparenti e delicate. Come in quei ritratti dove con difficoltà s’intravvedono le figure dei visi dispersi in un colore che assorbe, in cui i lineamenti si disperdono nello spazio della tela. Volti in cui l’indefinito diventa la piega dell’anima ancorata a corpi, dalle tonalità  calde, origini di terra bruciata e forse dolore. Si intravvede uno studio, una ricerca teleologica – come avrebbe detto l’intellettuale e politico italiano Luigi Sturzo – di una coscienza che tende ad attenuare le sopravvalutazioni nazionali per dar luogo ad un sentimento di maggiore comunione tra i popoli”.

I significati di questa pittrice sono di una contemporaneità che sorprende, se pensiamo al clima sociale presente attualmente in Italia come la recrudescenza della xenofobia e del razzismo.

Innegabili gli influssi dei linguaggi artistici del periodo in cui visse e lavorò − espressionismo astratto, astrattismo, arte informale − che esprimono il vibrante ed energico clima culturale europeo e americano del tempo, ma che possiamo dire Maliheh Afnan li abbia filtrati, esprimendo con un linguaggio espressivo originale  le sue tensioni, le sue sofferenze, i suoi ricordi.  Indagini che scandagliano significati di grande valore come la libertà, l’umanità, l’uguaglianza. Ma alla fine, attraverso gli occhi dei vari “Personnages” che ci guardano, sembra porci una famosa domanda di Socrate:  “Che cos’è dunque l’uomo?”. Lascio a voi la risposta.

©Lycia Mele Ligios

MAN | Museo d’Arte Provincia di Nuoro

Via Sebastiano Satta 27, Nuoro

http://www.museoman.it | info@museoman.it T. +39 0784 252110


English Version

“Memory is not a drawer where our memories lie, as objects already defined and known. Rather, it infiltrates the folds of our time, contaminates our current perception … “This phrase by Massimo Recalcati contains the essence of the artistic work of a Palestinian painter – on display until June 9 at the MAN Museum of NuoroMaliheh Afnan, a very appreciated painter in the international art scene, present in some important collections – including the Metropolitan Museum of New York and the British Museum in London, – and for the first time on display in Italy.

Born in Haifa in 1935, from Persian parents of Bahá’í faith. While still a teenager, he experienced the drama of a diasporic life for religious and political reasons. Initially with his family he moved to Beirut where he graduated from the American University. In 1956 he went to America, to Washington DC where he obtained in 1962 an MA in Fine Arts at the Corcoran School of Art. Returning to the Middle East for about ten years, in 1974 he moved first to Paris and then London, where he died in 2016.

Maliheh Afnan is an artist who found inspiration for her art from the tragedy of the diaspora and the consequent pain – for having abandoned her homeland, struck by a war that seems to have no end, – bringing her dramatic experience into the works . Painting allowed her to relocate herself in the flow of time, after having assimilated and internalized her drama. The objects she had managed to save became windows of memory, talking “sculptures” marked by pain. And here are the old books of the ancestors preserved as relics – places of time and memories – from which to draw strength to make sense of tomorrow and rediscover that artistic dimension that gave it joy of life, serenity. “I come from a place where there are relics of ancient civilizations, – she said in a 2014 interview – whether it is Lebanon or Palestine. It is inevitable that somehow I will be attracted to this kind of thing”. On the one hand, her research will explain ancestral Middle Eastern traditions, on the other hand she will give consistency to her lived with a language close to abstract expressionism, with few chromatic chords such as “lands”, white and black, with a more spiritual, intimate tension . In some works the color is “scratched”, removed with unconscious gestures, it appears stratified and in some areas is missing almost to express the suffering suffered that one would like to eradicate but that is impossible, because it is thought placed in that space of eternal contemporaneity.

The urgency to preserve the memory is placed in this “Contained Thoughts” assemblage: her works are rolled up and tied with a string, which alludes to the transience and the desire to save personal objects of great emotional value from oblivion. The emptiness at the side of the drawings seems to emphasize “wounds” that do not suture and/or spaces to hold thoughts/yesterday. A modular “sculpture” with rounded surfaces and differences in height, demonstrating that the precariousness of life becomes the root of human existence.

The people who knew Maliheh Afnan remember her as an ironic, wise and very elegant woman with a well-kept home where one breathes an exotic air. she didn’t like to be called a “Middle Eastern artist” or even a “woman artist”.

In truth the definitions only create cages, superstructures that bind. They are “borders”. Even her artistic language, which ranged between various genres, figurative, abstract and informal, leads us to think of a sort of independence of her way of expressing herself.

Undeniable echoes by Alberto Burri (1915) and his informal material as in “Wartorn” (1979) and “Silent Witness” (1979) in which the artist uses cardboard that burns with a flame, – as Burri had done with sacks of jute – where his suffering and anguish seems to transpose, the fire of war that devours houses, the flashes of firing weapons. What once existed is now only memory. But destruction recalls life and becomes a scream, expressed with chromatic accords that reflect light. The urgency to be a witness in the deafening silence of memories.

The figurative works are “characters” or rather “figures” defined by signs that emerge from places of memory without precise order, subordinated to the memory of a humanity encountered over the years, focused more on diversity than on homologation. Maliheh Afnan worked on faces to come to express that unicum present in every being, or the soul. She wanted to define a “common denominator”, the precious uniqueness that underlies the human race that makes it different but similar.

In some faces a delicate caricature tinge emerges, as if to emphasize physiognomic elements, for example small and close eyes, or a very small mouth, slightly marked, on apparently deformed heads. An unconscious evoke the character of the portrayed character? Timeless figures, memory structures, traces of “confused” existences in the chaos of memory.

She had developed a great sense of irony, which allowed her to play down and focus on elements that would arouse laughter, thus showing her acute intelligence and imagination and attributing value to simplicity.

Some drawings show stylized faces in the absence of perspective, as if – viewed from above – they were elements of a topographic map where there are no details but only contours of the face, united by the thin thread of equality. There seem to be no substantial differences. The choice to put them close, one next to the other, summarizes the concept of brotherhood and humanity present in the founding principles of her Bahá’í faith in which the concept of race beyond that of social class is overcome.

From the indefinite that supports the equality to the defined that touches the lyricism by intensity: the repeated write the name of a place that was dear to her in one of her works, “Nuchis”.

The artist loved Sardinia. She had gone on holiday with her daughter and was fascinated by a small fraction of 400 souls, near Tempio Pausania, Nuchis, in Gallura. A pretty village, at the foot of Mount Limbara, with small houses built with granite blocks and inevitable geraniums in the balconies, immersed in brilliant green with a myriad of shades of the Gallura countryside. Those places were impressed in the soul of Maliheh Afnan. They had “stuck” on her and she did not want to forget them for that sense of well-being that infused her.

On the way back, she painted an abstract painting on a shaded umber field with light chromatic dots dark red – perhaps cinnabar – on which she attached many small pieces of scotch which she colored and on which she wrote the word Nuchis in various places, as if she wanted to stick or paste to her soul the beauty and emotions felt in that little piece of paradise. Place that had transmitted interior serenity and momentarily distanced herself from its memories, the sufferings of the past.

The tension towards equality is almost a “scathing” cry in her works, where thoughts are translated into artistic expression with more aggressive intense or dense colors, or more transparent and delicate. As in those portraits where the figures of the faces dispersed in an absorbing color can be glimpsed with difficulty, in which the features are dispersed in the space of the canvas. Faces in which the indefinite becomes the fold of the soul anchored to bodies, with warm tones, origins of scorched earth and perhaps pain. A study can be glimpsed, a teleological research – as Italian intellectual and politician Luigi Sturzo would have said – of a conscience that “tends to attenuate national “overvaluations” to give rise to a feeling of greater communion between peoples ”.

The meanings of this painter are of a surprising contemporary, if we think of the social climate currently present in Italy as the resurgence of xenophobia and racism.

The influences of the artistic languages ​​of the period in which she lived and worked were undeniable – abstract expressionism, abstractionism, informal art – which express the vibrant and energetic European and American cultural climate of the time, but we can say that Maliheh Afnan has filtered them, expressing with a language original expressive her tensions, her sufferings, her memories. Investigations that probe meanings of great value such as freedom, humanity, equality. But in the end, through the eyes of the various “Personnages” who look at us, she seems to ask us a famous question from Socrates: “What then is man?” I leave the answer to you.

©Lycia Mele Ligios


 

 

 

 

 

Caroline Achaintre

Artista poliedrica, Caroline Achaintre è riuscita a sintetizzare linguaggi espressivi del passato in modo molto originale. Ciò le ha permesso di imporsi come grande protagonista nella scena dell’Arte Contemporanea.

Nasce a Tolosa nel 1969, ma ben presto si trasferisce in Germania. Caroline Achaintre inizia a dar spazio alla sua creatività lavorando presso un fabbro ancor prima di vincere la borsa di studio per il Chealsea Collage of Art & Design.

Caroline Achaintre Moustache Aquila 2008 Lana

©Caroline Achaintre, Moustache Aquila 2008

La sua inquieta ricerca di nuovi linguaggi espressivi è ben visibile dalla varietà di materiali che utilizza tra i quali l’argilla e la lana. Qui mostrerò qualche arazzo in cui è possibile notare la compenetrazione di manualità e creatività e dove l’istinto creativo fugge definendosi nel colore e nelle forme. Niente sembra meditato. Tutto appare fluido nel suo divenire realtà.

Caroline Achaintre Ohara lana

©Caroline Achaintre, Ohara [lana]

I cromatismi utilizzati riflettono alcuni colori puri, cari agli espressionisti. Colori urlanti che esprimono il desiderio di lotta, di opposizione ad ordini imposti, soffocanti. Sono colori del richiamo all’attenzione. E come se volessero dire ‘Io sono presente, esisto con la mia unicità’ che è diversità, originalità. Nella scelta dei colori ho rivisto la genialità di un grande pittore astratto francese Jean René Bazaine.

Questo iniziale parallelismo, mi ha incuriosito da documentarmi sulla sua attività artistica. Rimasi attratta da quel suo desiderio di forzare il reale, penetrarlo. Un voler creare contrasti per un ’eterno stupore.

Caroline Achaintre Roast 2005 Lana

©Caroline Achaintre, Roast 2005 [lana]

Le opere evocano nostalgie, altre incomunicabilità quasi inferriate che segregano l’agire, l’essere presente occultato dai fili del reale che impediscono di accedere alla verità.

I margini di un reale che ha perso il suo centro . I punti di riferimento dissolti in un nulla in cui solo la camaleontica creatività e la sete del sapere possono renderci partecipi attori del nostro tempo.

Caroline Achaintre Zibra 2011 lana

©Caroline Achaintre, Zibra 2011 [lana]

Le forme trasmettono spontaneità, immediatezza, semplicità ma anche tanta ironia. I volti deformati,  essenziali nella loro fattura, evocano una sorta di primitivismo. La loro bocca aperta sembra incuterci paura.  Ripenso alle maschere apotropaiche preposte a scacciare gli spiriti e spiritelli dalle abitazioni ma anche alle maschere lignee di tradizione africana.

O siamo davanti ad una rivisitazione quasi pirandelliana della nostra pluralità di maschere che indossiamo a seconda del ruolo che interpretiamo nella vita reale? 

Un ritorno alla frugalità si evince dalla semplicità dei materiali quali la lana o l’argilla. Con il neolitico l’uomo cominciò a capire l’importanza della lana degli animali. La utilizzò per la tessitura e la filatura. La lana proteggeva dal freddo. Riscaldava Era un bene prezioso. Caroline Achantre recupera l’elemento prezioso, ne evidenzia il valore sociale e lo riabilita a oggetto d’Arte con una propria individualità e significato. Il presente si ciba di passato per poter creare il futuro.

Caroline Achaintre ha fatto dei suoi linguaggi espressivi una rivisitazione del cammino dell’uomo. L’evoluzione è alla base della nostra storia ma in un eterno ritorno.

I

 

©Caroline Achaintre, Insider 2008 [lana]

 

English Version

A multifaceted artist, Caroline Achaintre was able to synthesize expressive languages of the past in a very original way. This has enabled her to establish herself as a major protagonist in the contemporary art scene.

She was born in Toulouse in 1969, but soon moved to Germany. Caroline Achaintre begins to give way to her creativity working at a locksmith even before winning a scholarship at the Chealsea College of Art & Design.

His restless search for new forms of expression is clearly visible from the variety of materials used such as clay and wool. Here I will show you some tapestry where you can see the intermingling of dexterity and creativity, and where the creative instinct runs in defining color, and shapes. Nothing seems meditated. Everything is fluid in its becoming.

The colors used reflect pure colors, dear to the Expressionists. Screaming colors that express the desire to fight, for opposition to the orders imposed, suffocating. They are the colors of the call to attention. And as if to say ‘I am this, I exist with my uniqueness’ that is diversity and originality. When choosing colors I saw the genius of the great abstract painter Jean René Bazaine.

This initial parallelism has led me to deepen her artistic activity. And I was impressed by her wish, I catch a glimpse of her in her works, to ‘force’ the real, penetrate it. A desire to create a contrast to an ‘eternal’ amazement.

The works evoke nostalgia, other non-communication almost ‘railings’ which segregate the act. The being present hidden by wires of the real that prevent access to the truth.
The margins of a real that has lost its center. The reference points are dissolved in a stalemate in which only the chameleon-like creativity and thirst of knowledge can make us partakers actors of our time.
The forms convey spontaneity, immediacy, simplicity, but also a lot of irony. The deformed faces, with clean lines, evoke a kind of primitivism. Their open mouth seem to frighten us. They remind me of the apotropaic masks responsible to drive spirits away from homes but also of the wooden masks of African tradition.

Or are we faced with a review of our almost Pirandello plurality of masks we wear depending on the role that we play in real life?

A return to frugality is apparent from the simplicity of the materials such as wool or clay. With the Neolithic man began to understand the importance of animal wool. She used it for weaving and spinning. The wool protected from the cold. Warming was a valuable asset. Caroline Achantre recovers the precious element, highlights its social value and enables it to an ‘object’ with an artistic value, with its own individuality and meaning. The present feeds on the past to create the future.
Caroline Achaintre made of her expressive languages, a review of the human journey. Evolution is the foundation of our history but in an eternal return.

Lycia Mele
© Riproduzione riservata

APPROFONDIMENTI
http://carolineachaintre.com

Evocazioni : l’immaginario nella fotografia di Franco Donaggio

Franco Donaggio è uno dei fotografi italiani professionisti e graphic designer più apprezzati. Tralascerò di parlare della sua biografia. Qui vorrei inseguire e raccontare solo le emozioni che dalle sue opere si librano nell’aria e avvolgono i nostri sensi. Come farfalle variopinte che volteggiano in armonia su un cielo impressionista.

Opera di Franco Donaggio

Le sue foto tracciano profonde emozioni colme di significante estetico di rara bellezza. Ci si avvicina e talvolta si penetra il significato in un’armonia di forme da sospendere i nostri pensieri e rigenerarli “altri”. Si plasmano le vecchie sovrastrutture e si scava annullando i silenzi e privilegiando il decantare dell’anima avvolta nella contemplazione.

Opera di Franco Donaggio

Le foto sulla silente laguna di Venezia, in cui la riflessa immobilità apparente trasmette un senso di quiete evidenziano quasi una necessità di ritrovarsi e fermarsi per sentire e dare valore al vero scorrer del tempo, evaso dalla scena. La Natura protagonista coinvolge con una tale forza emotiva da dimenticare il nostro esistere. Si recupera l’io più profondo, scevro da limiti, si assapora il momento per rigenerarsi nella consapevolezza di vivere quel preciso istante ritratto.

Opera di Franco Donaggio

Sembra questa la strada che l’artista propone come ri-scoperta. Non lontano dai suggerimenti del filosofo Bertrand Russel, invita gli uomini ad inseguire e contemplare i ritmi della natura, senza corse affannate, ma privilegiando silenzio e tranquillità. È un ritrovare il proprio sé  allontanando le inquietudini del presente.

Opera di F. Donaggio

In altre sue opere,  nelle quali utilizza con maestria e delicatezza il foto ritocco, ritrae pavimenti irregolari di città dell’es dove avanzano sagome di uomini in miniatura. Quasi invisibili in un lento procedere. Percepiscono l'”infinitudine” del tempo ma il loro limite non permette di coglierlo nella totalità.

Opera di F. Donaggio

Soli, parti infinitesime di mondi quasi privi di  confini. Esseri alla deriva che vagano inseguendo l’ignoto dei loro pensieri. Il movimento in potenza può dar sostanza all’azione. Si enfatizza e si scolpisce la superficie che sembra riflettere un oltre. In alcune foto vi è la presenza di un fascio di luce che avvolge l’uomo. Sembra propagarsi dal cielo. Il soprannaturale è presente, vigila ed  interferisce sull’agire anche quando ovunque c’è vuoto e desolazione.

Opera di Franco Donaggio

L’umanità è così subordinata ad un’azione estranea. Traspare un’intensa sofferenza interiore e struggimento malinconico. Non solo rappresentazioni del reale filtrate da occhi poetici ma vortici abissali in cui l’anima cade, volteggiando e sfiorando pareti  alla ricerca di risposte-finestre sull’esistere. Il lirismo poetico che traspare dalle opere di Franco Donaggio conduce la mia mente a varie riflessioni. L’individualismo ha creato baratri umani impedendo la salvaguardia di una giusta e consapevole società civile. I diritti acquisiti  quotidianamente vengono modificati disintegrando volontà  di chi li aveva sostenuti e definiti. L’uomo ha perso i riferimenti, la strada dell’esistenza è sconnessa, con voragini improvvise. Tutto sembra avvolto da quel mistero e da quello straniamento radicato nell’arte e nella  letteratura  dei primi del 900 e che vede la pittura metafisica di Giorgio de Chirico e del fratello Alberto Savinio, portavoce di un  profondo disagio dell’uomo. Ma nelle opere di Donaggio è presente l’essere umano. Anche se avanza in solitudine è il vero protagonista delle opere. Dovrà ritrovare la forza partendo dal proprio se e coinvolgendo i suoi simili verso obbiettivi comuni che vedono la salvaguardia delle tradizioni e dei valori del passato, il recupero dell’individuo come persona, il rispetto per la vita per una rinascita socio-globale in armonia con l’ambiente.

Lycia Mele
© Riproduzione riservata

Foto Archivio ©Franco Donaggio

Opera di F. Donaggio

 

 

 


Gli spazi di Morfeo

“I ragazzi geniali hanno sempre fatto cose strane”. Queste parole di Alda Merini ben definiscono la creatività priva di confini che riscopro nelle immagini di Franco Donaggio.

Il suo ultimo Quaderno s’intitola “Gli spazi di Morfeo” dal nome del personaggio mitologico, dio del sogno. Luogo in cui, secondo la leggenda,   appare con sembianze umane.

Ma i sogni evocati dalle immagini di Franco Donaggio abbondano di simbolizzazioni dove traspare l’esigenza di dar “voce espressiva” ad un immaginario riflesso nel reale.

Franco Donaggio Riavvio 2013
Franco Donaggio
Riavvio 2013

All’origine del nome Morfeo, dal greco μορϕή “forma” o figura, associo il desiderio di ri-definizione della figura/corpo della donna, protagonista assoluta delle immagini. Esulando da concettualizzazioni meramente estetiche, il progetto molto ambizioso desidera ripercorrere simbologie legate all’eterno femminino e riscattare quel corpo, dono di Natura, oggi sempre più violato, vituperato, intriso di significati di colpevolezza. La figura/corpo appare centrale nello spazio con un “agire” dal significato metafisico. Sembra “significare” il reale nel suo palesarsi corpo armoniosamente perfetto.

Franco Donaggio Salita al Crepuscolo 2012
Franco Donaggio
Salita al Crepuscolo 2012

Ma i giochi intellettuali dell’artista ci inducono a varcare la soglia del pensiero, alla ricerca di nuove catarsi, che evidenziano valori racchiusi in valenze polisemiche. Ed ecco apparire il corpo che “significa” l’agire della donna in colei che genera, crea, combatte, ispira, salva e redime. Donaggio predilige giochi chiaroscurali della scala cromatica dei grigi e sembra teso verso sintesi intellettuali che ci conducono a guardare l’oltre. E utilizzerà il proprio linguaggio espressivo di dimensione onirica per ri-definire significati antropologici. Nei bellissimi corpi si concettualizza l’agire talvolta scandito dal tempo. Un’agire da cui si possono percepire sofferenze, vicissitudini ai margini, riscatti di vita, in cui la fatica di esistere determina solitudini di “non- ritorno”.

Franco Donaggio Adamo ed Eva 2013
Franco Donaggio
Adamo ed Eva 2013

Come quel corpo privo di testa, accanto ad un’altra donna, ci conduce ad una dolorosa mancanza. Si è persa la consapevolezza dell’essere donna diversa dall’uomo eppur simile. La donna corpo, universo fragile incompreso, schernito, deriso presente nell’immaginario collettivo, desidera riscatto. Al pari di una rete vischiosa da cui vuole liberarsi. Ma più si muove e più viene avvolta. Donaggio dispone di nuovi contenuti l’essere donna. Sfiora il corpo scultoreo talvolta etereo ma ne avvolge la sua anima. Donna ingegno, mente, sogno di un reale che alla deriva insegue il tempo e lo definisce. Le immagini sono apologetiche: si celebra la donna nella fusione di significato-significante, mente-corpo.

Franco Donaggio La nave 2013
Franco Donaggio
La nave 2013

Il sodalizio tra mente-corpo lo rivedo nella Nave, in cui sono presenti cedimenti strutturali. È la tempesta della quotidianità che stordisce per intensità e inibisce forze. Ma la donna ritratta, dimostra che pur nell’avversità, non abbandona il luogo di comando. Determinata e saggia affronta imprevisti con intuizione e tempestività.

Nell’antica Grecia ricorre la figura della donna-guerriera, l’amazzone, in piccole società gestite esclusivamente da donne. L’uomo era relegato ad assolvere i compiti femminili. Curava la casa e si occupava dei figli.

Lisia (440 a.C.) ci racconta che erano donne bellissime, molto coraggiose e valorose. E dava significato al loro essere donna il modo in cui affrontavano i pericoli e non il loro splendido corpo.

Dalle immagini sembra che si desideri enfatizzare la dignità della donna che è anche corpo. Dignità che essendo identica a quella dell’uomo, deve esser riconosciuta e rispettata.

Franco Donaggio Bagno Costruttivista 2013
Franco Donaggio
Bagno Costruttivista 2013

La contemporaneità ha imposto immagini stereotipate che hanno “reciso” il valore della donna. Qui vengono raffigurate solo le gambe. Gambe che fanno presagire un movimento. Una via di fuga dalla vischiosità del reale, ma la presenza dell’acqua richiama la purificazione, evoca riscatto e salvazione, una rinascita. Le gambe sono vita: camminano, saltano, danzano, corrono, nuotano.

Voglio ricordare le parole di Alda Merini che diceva “le gambe nella donna sono il perfezionamento della sua volontà…sono occhi e labbra che cercano l’amore sì, ma soprattutto la vita dell’amore”.

Osservando le immagini qui presentate è possibile percepire il rumore del mare, il silenzio del contemplare o l’urto delle chiglie o ancora il cigolamento delle impalcature. Sono immagini polisensoriali.

Benjamin avrebbe detto che la fotografia procede verso un modo “tattile”, sembra fuoriuscire dallo spazio e induce chi contempla a sfiorarla anzi a sostituirsi protagonista.

Franco Donaggio Estrema Domanda 2012
Franco Donaggio
Estrema Domanda 2012

La donna qui rappresentata cerca di proteggersi davanti agli eventi, gigantografie di prore che silenziose avanzano nel caos della vita. Contempla cieli stellati e si rinchiude in se stessa, scrutando le giuste energie che le permettono di ri-trovarsi. Solo il silenzio potrà rigenerare lontano dai rumori della quotidianità.

Le prore delle navi sembrano avanzare. Si possono toccare. Si desidera salvare la donna che sembra abbandonarsi al proprio destino. È un’immagine di un lirismo elevato denso di dolore, solitudini, desideri mancati, abbandoni.

Franco Donaggio Il Muro del desiderio 2013
Franco Donaggio Il Muro del desiderio 2013

Il “Muro del desiderio” è un’immagine molto suggestiva. Il titolo forse evoca un amore impossibile? Ho focalizzato la mia attenzione sul fuoco e sul muro. Ripercorrendo il tempo a ritroso, ho pensato alla paura nei confronti della donna durante il  ‘600. Infatti se manifestava difformità con il pensiero dominante, veniva arsa viva. La donna iniziava a prender coscienza della sua individualità e della sua forza, osteggiando volontà e codici di una società maschilista.

Franco Donaggio dilata la memoria collettiva e con i suoi continui rimandi ed evocazioni da valore alla historia magistra vitae. Le sue opere sembrano viaggi di conoscenza, dove il linguaggio espressivo permea il sapere sintetizzando forme sorrette da memoria alla ricerca di significati fautori di nuove “verità”.

English version

“Brilliant kids have always done strange things.” These words by Alda Merini well define creativity without limits and which I rediscover in the images of Franco Donaggio.

His latest Book entitled “The spaces of Morpheus” was named after the mythological god of dreams. Place which, according to legend, appears in human form.

But dreams evoked by images of Franco Donaggio abound symbolizations which reflected the need to give “expressive voice” to an imaginary reflection in reality.

The origin of the name Morpheus, from the greek μορφή “form” or figure associate the desire to re-definition of the figure / body of the woman, the absolute protagonist of the images.

Deviating from purely aesthetic conceptualizations, the very ambitious project wants to trace symbols connected to the eternal feminine and redeem her body, a gift of Nature, today more and more violated, reviled, full of meanings of guilt.

The figure / body appears in space with a central act of the metaphysical significance. It seems “to mean” the real in its manifestation of his harmoniously perfect body.

But the intellectual games of Donaggio lead us to cross the threshold of thinking, searching for new catharsis, which show values ​​contained in the polysemic meanings.

And behold, the body “means” the act of the woman in her who generates, creates, fights, inspires, saves and redeems.

Donaggio, with his melancholy artist’s predilection for the chiaroscuro of the chromatic scale of grays, seems tense towards intellectual synthesis that lead us to look beyond. He will use the expressive language of dream-like dimension to re-define the anthropological meanings.

In the beautiful bodies the act sometimes punctuated by time is conceptualized. A doing from which you can perceive pain, ups and downs on the edge, surrenders of life, in which the effort to exist determines solitudes of “non-return”.

As the body without the head, next to another woman, leads us to a painful lack. We have lost the awareness of being a woman different from man and yet similar. The woman body, fragile universe misunderstood, mocked, ridiculed in the collective, wants to ransom. Like a sticky network which wants to break free. But the more she moves and the more she is wrapped.

Donaggio has new contents to being a woman. Nearly sculptural body sometimes ethereal but it wraps up its soul. Woman wit, mind, dream of a real drift tracks time and defines it. The images are apologetic: it celebrates the woman in the fusion of meaning-meaning, mind and body.

I can see the association between body-mind in the ship, in which there are structural failures. It is the storm of everyday life that stuns intensity and inhibits forces. But the woman portrayed, shows that even in adversity, she does not leave the place of command. Determined and wise she faces the unexpected with insight and timeliness.

In ancient Greece, bearing the figure of the woman-warrior, the Amazon, in small communities which were managed exclusively by women. The man was relegated to performing the duties of women. Kept the house and took care of the children.

Lysias (440 BC), tells us that women were beautiful, very courageous and brave. It gave meaning to their being a woman the way they faced the dangers and not their gorgeous body.

From the pictures it seems that you want to emphasize the dignity of the woman who is also the body. Dignity that being identical to that of a man, must be recognized and respected.

The contemporary world has imposed stereotypical images that have “cut” the value of women. Only the legs are displayed here. Legs that are precursors to a movement. An escape from the stickiness of the real, but the presence of water refers to the purification, evokes redemption and salvation, a rebirth. The legs are life: they walk, jump, dance, run, swim.

I want to remember the words of Alda Merini who said that “the legs in women are the perfection of his will … eyes and lips are seeking love, yes, but above all the life of love.”

Looking at the images presented here it is possible to perceive the sound of the sea, the silence of contemplation or the brunt of keels, or even the cigolamento of scaffolding. They are multi-sensory images.

Benjamin would say that photography is a way to proceed “tactile”, since it seems to protrude from its causes and who contemplates to brush indeed to replace the protagonist.

The woman represented here seeks to protect itself before the events of giant bows that silent progress through the chaos of life. Split up into the starry heavens, to be contained in itself, scrutinizing all the energy that allows it to re-find oneself. It regenerates the silence away from the hustle of everyday life.

The prows of ships seem to move forward. You can touch them. You want to save the woman who seems to abandon herself to her fate. It is an image of a high dense lyricism of pain, loneliness, lack of desires, dropouts.

The “Wall of desire” is very suggestive. The title evokes perhaps an impossible love? I focused my attention on the stove and the wall. Going back in time, I thought about the fear of women in 1600. Infact if she showed differences with the dominant thought, she was burned alive. The woman began to become aware of her individuality, her strength and went against wills and codes of a male-dominated society.

Franco Donaggio expands the collective memory and his constant references and evocations value to historia magistra vitae. His works seem to travel for knowledge, where the expressive language permeates the knowledge synthesizing forms supported by memory for new meanings proponents of new and desirable truths.

Lycia Mele
© Riproduzione riservata

 

SITO dell’ARTISTA per approfondimenti: http://www.donaggioart.it/quaderni.html
MODELLE: Arianna Grimoldi e Giovanna Lacedra.

Franco Donaggio Il giudizio 2013
Franco Donaggio
Il giudizio 2013